La industria creativa de nuestro país tiene grandes representantes, profesionales que ponen en alto el nombre de México con sus ideas y talento. En esta ocasión es momento de reconocer a los ilustradores y letristas que con sus diseños y colores están conquistando a todos los mexicanos y al mundo.

Sorprendentes, sus creaciones logran llegar a través de nuestros sentidos para impactarnos, emocionarnos y hacernos vibrar. Elegir a los siguientes 4 ilustradores y letristas no fue fácil, ellos solo son la punta del iceberg de la riqueza creativa con la que nuestro país colabora con el mundo del diseño.

Esperamos que encuentres a estos creativos como referencia y estimulo creativo. Si logran inspirarte, debajo de cada perfil podrás encontrar sus redes sociales para seguirlos y conocer más acerca de su trabajo.

Ely Ely Ilustra

Ilustradora y muralista. Melissa Zuñiga, mejor conocida como Ely Ely Ilustra, es originaria de Aguascalientes, México. Entre sus principales inspiraciones se encuentran las mujeres, México, sus propios pensamientos, el color y la naturaleza. Ha colaborado con diferentes marcas en campañas publicitarias, entre ellas: Kotex, C&A, MaryKay, Maybelline, Walkies, Cerveza Indio y Ron Zacapa.

Ely, también es profesora en Domestika, la mayor comunidad creativa en español, debutando con un curso titulado “Ilustración vectorial con estilo”, donde nos enseña a encontrar nuestro propio estilo de ilustración y cómo mostrarlo al mundo a través de redes sociales.

Facebook: @ElyElyIlustra

Instagram: @elyelyilustra

Twitter: @ElyElyIlustra 

Alán Guzmán

Letrista y diseñador gráfico. Alán Guzmán, mejor conocido como Zhompi, es egresado de la Universidad del Valle de México. Nacido en Guaymas pero criado en Hermosillo, Sonora; se ha consolidado como uno de los grandes letristas de habla hispana. Ha trabajado con marcas de renombre como lo son: Cerveza Bohemia, Old Spice y Absolute, también realizó el lettering de la película biográfica de Cantinflas.

Actualmente reside en Tijuana donde en 2013 fundó “Letters Studio” el primer estudio de lettering mexicano junto a Ritchie Ruiz. Con una pasión absoluta por la tipografía, el diseño gráfico, la caligrafía y el lettering, este estudio pretende dar solución al branding y la comunicación gráfica de sus clientes.

Instagram: @zhompi

Twitter: @Zhompi 

Chisko Romo

Diseñador integral, tallerista, letrista y muralista. Chisko Romo cuenta con más de 10 años en la industria del diseño y más de 7 de experiencia como letrista. En 2012 después de una etapa depresiva post graduación, conoce la caligrafía como oficio y desde entonces su carrera y su fama han ido creciendo llevándolo a colaborar con marcas como: Adidas, Tajín, American Eagle, Moleskine, Apple Music y TED BAKER London.

Con una técnica inspirada en diferentes formas y volúmenes, la diversidad y sus experiencias cotidianas. Sus trazos son únicos y ha logrado ganar reconocimientos por su trabajo.

Actualmente Chisko imparte varios cursos como: “Cómo Mandar a tu Jefe a la Chi#&@%@”, “Murales For your Life” y “Lettering con Amor”. También colabora como profesor en Domestika con su curso “Introducción al lettering para Instagram”.

Facebook: @Chisko.Romo

Instagram: @Chisko.Romo

Twitter: @chiskoromo 

Día Pacheco

Día Pacheco también conocida como Dia.blo, es una tatuadora, ilustradora y diseñadora del estado de Chihuahua, sus ilustraciones se centran en la mujer, la cultura mexicana, la sensualidad y la estilización del erotismo. La lista de sus colaboraciones es larga, entre las marcas que ella ha intervenido se encuentran: Cerveza Minerva, Walkies, Kiehl’s, Levis y L’occinate.

Su más reciente colaboración fue con la marca de maquillaje Avon, donde Día diseñó la nueva imagen de “Cada Caso Es por Ti”, la carrera caminata que año con año se realiza para salvar vidas y crear conciencia contra el cáncer de mama. Con su ilustración se pretende visibilizar la enfermedad para recordar que hay que combatirla no solo un día sino todo el año.

Instagram: @diapachecoo

Twitter: @DiaIlustracion 

No cabe duda del gran talento que cada uno de estos creativos del diseño tiene, su fama emergente cada día toma más fuerza y comienza a romper las barreras geográficas, contribuyendo a difundir la creatividad, ingenio y cultura de nuestro país en otras naciones, una muestra de todo el potencial que México ofrece.

En términos de publicidad y marketing los creativos y diseñadores utilizan una gran variedad de recursos para transmitir mensajes siendo uno de los más populares el texto escrito. Pero, ¿qué pasa cuándo dicho texto se vuelve ilegible para tu público? ¿Hay alguna manera de evitarlo y hacer el contenido más accesible e incluyente?

Una de cada cinco personas sufre de dislexia en los Estados Unidos y a nivel mundial entre 6 y 17% de la población infantil la padece. Se trata de una condición vitalicia que dificulta actividades como leer, escribir, hablar, siendo una de las principales causas que dificultan el entendimiento y procesamiento de la información.

De acuerdo a Design Week, para poder hacer la información más accesible, es necesario considerar desde el espacio entre las letras hasta la combinación de colores a utilizar pasando por las imágenes que acompañan al texto y hasta el brillo de la pantalla en la que las personas accederán a la información. Es por eso que en algunos países se llevan a cabo iniciativas como guías de estilo para personas con dislexia.

Ejemplo de ello es el manual que publica la Asociación Británica para la Dislexia, la cual se publica desde hace 20 años para mejorar la legibilidad tanto en medios impresos como en pantallas. La guía se actualiza cada año y se mejora de acuerdo a los resultados de las investigaciones más recientes.

A grandes rasgos, las recomendaciones en cuanto a tipografía son:

• Utilizar tipografía sans serif, por ejemplo Arial y Comic Sans.
• El tamaño de la letra debe ser entre 12 y 14 puntos.
• Aumentar el tamaño del espacio entre caracteres (tracking).
• Aumentar el tamaño entre el espacio entre líneas.
• Evitar interlineados e itálicas. Usar negritas para resaltar.
• Evitar textos sólo en mayúsculas.

Se sugiere también el uso de estilos en encabezados y párrafos en general para dar estructura y facilitar la lectura. Asimismo considerar la alineación del texto y dejar más espacio entre párrafos y asegurarse que los hipervínculos se vean diferentes que el resto del escrito.

Con respecto al color se deben evitar fondos con trama. En su lugar, fondos claros (evitar el blanco) y que haya suficiente contraste con el color del texto. Otra cuestión es evitar colores como verde, rojo y rosa, ya que éstos representan un problema para las personas con daltonismo. Por otro lado, se debe dejar suficiente aire entre los elementos de la pieza para que no se encimen y utilizar elementos gráficos que ayuden a la comprensión del texto.

Para crear conciencia sobre este tema de accesibilidad agencias como BBDO Dubai en conjunto con la asociación australiana Sydlexia han creado campañas para no sólo exponer el problema sino ayudar a las personas con dislexia a adentrarse en los mensajes para comprenderlos mejor. Queda claro entonces que recursos hay muchos y que sólo basta seguir lineamientos sencillos para ser incluyentes y comunicar ideas poderosas de una manera más accesible para la audiencia, quien no sólo se define por su nivel socioeconómico e intereses, sino también por condiciones físicas.

Continuamos con nuestro recuento de pósters y autores de la Copa Mundial de futbol. ¡Que lo disfrutes!

España 1982

Obra nada más y nada menos que del gran Joan Miró, pintor surrealista catalán. Es uno de los máximos exponentes del arte español del siglo pasado, ya que además de pintar se dedicó a la escultura, al grabado y a la cerámica. Miró inició como impresionista y cubista, pero más tarde se vería influenciado incluso por corrientes más modernas como el dadaísmo y el surrealismo. El estilo artístico y el sello personal del pintor son claras en el póster del mundial, el cual más que un afiche, parece una obra digna de museo.

México 1986

Por primera vez el cartel del evento no es una ilustración o una pintura, sino una fotografía y de quién más sino de la afamada Annie Leibovitz, fotógrafa estadounidense mejor conocida por sus retratos de celebridades. Leibovitz se formó en el San Francisco Art Institute y ha trabajado para publicaciones como Rolling Stone, Vanity Fair y Vogue así como portadas de álbumes. Se caracteriza por el uso de la luz y poses atrevidas, así que para el cartel del mundial se decidió por la sombra de un futbolista (o jugador de pelota) proyectada sobre las ruinas de los atlantes de Tula, resaltando la cultura del país anfitrión.

Italia 1990

Alberto Burri, uno de los artistas italianos más importantes del siglo XX, fue el encargado de darle vida al póster de esta Copa. Originalmente un médico militar, no fue sino hasta después de su experiencia con la guerra (SGM) que se dedicó de lleno a la pintura y se vio influenciado justamente por Joan Miró y también por Jean Dubuffer. Burri se caracteriza por utilizar nuevas técnicas y materiales, y el póster de Italia 90 no fue la excepción: utilizó una fotografía, la cual fue retocada con computadora para hacer el Coliseo más oblongo y superpuso una ilustración del campo de juego en el centro.

Estados Unidos 1994

Realizado por uno de los iconos de la cultura pop, Peter Max. De origen alemán, desde pequeño estuvo expuesto a diferentes culturas debido a que cambiaba de país de residencia constantemente. Asimismo tuvo una gran fascinación por espacio, por lo que muchas de sus obras incluyen este elemento, tal como en el colorido cartel del Mundial, en el cual el jugador está pateando el balón en el espacio para reflejar la universalidad del deporte.

Francia 1998

Nathalie Le Gall ganó el concurso llevado a cabo por el comité organizador de Francia ‘98 y lo hizo mientras aún era estudiante de la Escuela Superior de Bellas Artes de Montpellier a los 27 años. Este cartel puso Le Gall en el escenario de la ilustración y la pieza incluso se convirtió en material de exhibición durante la exposición “Futbol e inmigración. Go France.” Además de ilustrar y pintar, Le Galle se dedica a la escultura.

Corea-Japón 2002

Aunque a simple vista, pudiera parecer simple, el póster del mundial de Corea y Japón es fiel reflejo del evento al contar con la contribución de dos artistas, uno de cada país, Byun Choo Suk (Corea del Sur) y Hirano Sogen (Japón). Para hacerlo, ambos artistas pasaron dos días trabajando juntos y trazando diversas líneas de caligrafía relacionadas con el futbol Cuando estuvieron listas, las escanearon y las juntaron para formar una canchas

Alemania 2006

Esta constelación del futbol fue diseñada por la agencia WE DO ubicada en la capital alemana. Este póster resultó ser el más popular en la consulta que se realizó por todo el país y representan los sueños y los deseos de triunfar.

Sudáfrica 2010

Era la primera vez que un mundial se celebraba en el continente africano y, para la ocasión, los encargados del diseño del póster oficial fueron Gaby de Abreu (concepto) y Paul Dale (ilustración). De Abreu es cofundador y director creativo de Switch Brand Agency, una de las agencias de consultoría más prestigiadas de Sudáfrica. Su talento ha sido reconocido con galardones como Loeries, New York Clio y London Advertising Award. Por su parte, Paul Dale es el director creativo de CopperCoast Branding & Design, agencia también sudafricana para la que ha laborado por más de 10 años.

Brasil 2014

Cartel conceptualizado y diseñado por Karen Haidinger (Crama Agency en ese momento), diseñadora digital e interactiva. En el afiche se observan claramente dos jugadores disputando el balón y cada uno conformado por diferentes símbolos del país anfitrión. Asimismo, el logo cuenta con los colores de la bandera de Brasil y las fechas de la justa deportiva. Existe una segunda versión con diferentes tonalidades pero igual de alegre.

Rusia 2018

El póster para el torneo que está a punto de empezar fue diseñado por el artista ruso Igor Gurovich, quien optó por un estilo retro constructivista que recuerda a los primeros carteles de la Copa del Mundo. En esta ocasión, el personaje principal se inspira en el portero ruso Lev Yashin atajando un disparo. Según el mismo autor, era muy importante resaltar que Rusia es el país anfitrión

Referencias:

https://borradopedia.com/index.php?title=Logotipos_Mundiales_de_Fútbol

https://www.hongkiat.com/blog/world-cup-logos/

http://gqportugal.pt/historia-posters-mundiais-futebol/

https://wc-football.jimdo.com/

Más allá de futbol, la copa del mundo ofrece la la cultura y el estilo muy particular del país anfitrión. Por otro lado, y hablando de mercadotecnia y publicidad, el torneo cuenta con una imagen y un look and feel que la distinguen y que se integran por el logo, la mascota, el diseño del balón y el póster oficial.

Diseñadores, ilustradores, pintores y hasta reconocidos fotógrafos han formado parte de la galería de carteles de los mundiales de futbol. Casi siempre pertenecen al país anfitrión, pero en otras, son artistas que logran captar el espíritu del torneo así como el contexto y las tendencias que rodean a la competencia. Conozcamos cada uno de ellos:

Uruguay 1930

Diseñado por Guillermo Laborde, pintor, escultor y diseñador uruguayo, y presentado oficialmente el 31 de diciembre de 1929. Laborde estudió en Europa y se vio influenciado por la modalidad planista, la cual consiste en pinturas no volumétricas con cierta tendencia geométrica así como colores son brillantes que se apegan a la realidad. Podemos ver elementos de esta modalidad y del estilo del artista en el póster de la Copa del Mundo.

Italia 1934

Creado por el ilustrador italiano Gino Boccasile. En su juventud, Boccasile hizo ilustraciones para numerosas revistas y produjo pósters publicitarios. No era desconocido de su afinidad por Benito Mussolini y el movimiento fascista en Italia, así que se convirtió en uno de los tantos artistas que produjeron propaganda para el gobierno de la época.

Francia 1938

El poster de este evento estuvo a cargo de Henri Desmé, artista gráfico francés, y cobra singular importancia por el contexto geopolítico en Europa. En el póster se aprecia la pierna de un jugalos sobre un balón del futbol y, debajo de éste, el mundo, dando un clara idea de las intenciones de dominación y el inicio inminente de la segunda guerra mundial.

Brasil 1950

El diseño de este afiche estuvo a cargo del ganador del concurso realizado ex profeso por la Shell Petroleum, J. Ney. Del autor no se sabe mucho, pero los elementos de la pieza indican un claro sentido de unión y celebración en torno al deporte. En la media del jugador, se observan más banderas que las de los países participantes.

Suiza 1954

En el caso de este Mundial, se desconocen los autores o autor tanto del logo como del póster. De hecho, es la primera vez que aparece un logo como tal, sin embargo, ambas piezas reflejan la realidad de la época así como practicidad, modernismo y en el póster específicamente, un diseño simple pero significativo, por ejemplo, el portero vestido de blanco y el balón como un sol posiblemente aludiendo a los recientes tiempos de paz.

Suecia 1958

La imagen de este campeonato estuvo a cargo del diseñador Saul Bass. Además del diseño, Bass fue un reconocido director de cine e incluso ganador del Oscar. Siempre ligado al mundo del séptimo arte, diseñó más 40 pósters para películas. De hecho, se dice que el de Vertigo sirvió un poco de inspiración para el póster de Suecia ‘58. Por otro lado, también diseñó los logos para numerosas compañías que aún subsisten como AT&T, Quaker Oats, United Airlines y YWCA, entre otras.

Chile 1962

Obra de Galvarino Ponce Morel, escultor chileno. Con antecedentes militares, es hasta la década de los 50s cuando se retira de la milicia para dedicarse de lleno al arte, especialmente a la escultura. En el caso del póster del mundial, su entrada fue elegida por sobre más de 300 concursantes. El estilo es minimalista pero juega perfectamente con dos elementos: el mundo, que es un balón, y el mismo balón de futbol, que parece eclipsara a la tierra con motivo de la justa mundialista.

Inglaterra 1966

Diseñado por el artista Guilherme Carvosso, el cartel muestra nuevamente a un futbolista jugando al futbol. Pero no es cualquier jugador, sino Willie The Lion, la primer mascota de las copas mundiales. De hecho, para esta copa se diseñaron dos carteles.

México 1970

Logo y póster diseñado por el estadounidense Lance Wyman, quien se especializa en espacios urbanos: ciudades, eventos, instituciones y sistemas de tránsito. Para esta ocasión, contiuó con el mismo estilo ya utilizado en la identidad de los Juegos Olímpicos México 1968, la cual es considerada como “el pináculo del diseño ambiental”. Como dato curioso, Wyman tambien es el creador de imagen del Sistema de Transporte Colectivo Metro de la Ciudad de México, así como de otras empresas nacionales como La Moderna, Camino Real y CMMYT, entre otras.

Alemania 1974

Cartel obra de Hörst Schäfer quien utilizó un estilo impresionista donde resaltan los colores sobre el fondo negro y por fin regresa un futbolista a la imagen después de tres mundiales. Además de este impreso, también realizó el correspondiente al de las mascotas oficiales del evento Tip y Tap.

Argentina 1978

Debido a sus características estéticas, se piensa que el poster de este evento fue asignado a la agencia Mandatos Internacionales, ya que se asemeja a los carteles del régimen militar de la época a cargo de esta misma agencia. En este póster vemos no sólo a uno, sino a dos jugadores al parecer celebrando un gol. En este caso, la atención se centra en los jugadores, ya que por primera vez, no aparece un balón o algún elemento que haga alusión a él.

Referencias:

https://borradopedia.com/index.php?title=Logotipos_Mundiales_de_F%C3%BAtbol

https://borradopedia.com/index.php?title=Logotipos_Mundiales_de_F%C3%BAtbol

https://borradopedia.com/index.php?title=Logotipos_Mundiales_de_F%C3%BAtbol

https://borradopedia.com/index.php?title=Logotipos_Mundiales_de_F%C3%BAtbol

Hasta hace unos años en las agencias se hablaba de diseñadores gráficos para desarrollar y ejecutar proyectos que implicaran diseño tanto de piezas impresas como de imágenes destinadas a sitios de internet o redes sociales. Con el paso del tiempo, la especialización ha avanzado a tal grado que, aparentemente, la línea entre una tarea y la otra se ha hecho más gruesa, separando a unos y otros.

Aunque a simple vista pareciera que las tareas de un diseñador offline “tradicional” y un diseñador digital son distintas, ambos parten de una formación, fundamentos y metodologías similares que sólo parten caminos en relación al tipo de puesto y especialización que cada profesional desee seguir. Según los propios diseñadores, las similitudes son más significativas que las diferencias, así que veamos cuál es cuál:

Similitudes

Fundamentos. Se refiere a la formación como profesionales en términos de espacio y volumen, ritmo, simetría, escala, textura, color, jerarquía, movimiento, composición, etcétera: los conocimientos básicos que cualquier diseñador debe tener para realizar su trabajo.

Metodología:

• Concepto. Cuando se recibe el proyecto y hay que desarrollarlo a partir de la creatividad y conocimiento del diseñador. Dicho concepto vivirá tanto en digital como de manera análoga. Se elige también el estilo y el tono del proyecto.
• Boceto. Esquematizar de forma física (lápiz y papel).
• Ejecución. Es la realización del proyecto con la aplicación de colores, texturas y estilo. En teoría los diseñadores gráficos no realizan arte, ya que un artista puede plasmar su propio estilo y ser tan abstracto como quiera, y el espectador puede interpretar de diferente manera cada pieza. Mientras tanto, el diseñador gráfico realiza herramientas de comunicación donde cada pieza debe transmitir un mensaje claro y conciso para que la audiencia lo interprete de la misma manera (idealmente).

Habilidades. Se trata de la producción y ejecución de cada pieza gráfica en términos de las herramientas (software) y técnicas para hacer cada tarea. Cada diseñador posee niveles diferentes, pero eso no significa que sea más o menos eficientes o talentosos.

Diferencias

Modo de color. CMYK (cyan, magenta, amarillo y negro) para impresos, ya que es el modo genérico en plotters e impresoras aunque hay algunos más especializados con más de esos cuatro colores. En el caso de digital, se utiliza RGB (rojo, verde y azul)  porque son los colores de los leds de las pantallas. Cabe señalar que a la hora de programar páginas de internet, se necesitan dichos colores en diferentes nomenclaturas como hexcodes, por lo que es posible transformar de una nomenclatura a otra.

Resolución. Se refiere a los pixeles por pulgada (ppi o dots per inch dpi). Para impresión se requiere al menos 300 dpi (el máximo nivel de impresión básico). Para digital se requieren, en cambio, sólo 72 dpi ya que es la resolución estándar de las pantallas y porque el archivo se hace más ligero también y tarda menos en cargar.

Sistema de medición. Pulgada vs pixeles. Y es por cuestión de practicidad y conveniencia para cada formato. Pixeles para digital y pulgadas o centímetros para impresos u otros formatos análogos.

En realidad no hay diferencias y ningún área de diseño es mejor que otra, sólo hay más especialización. Es más bien a lo que cada profesional desea dedicarse y cada uno puede profundizar tanto como quiera de acuerdo a sus metas. Lo más importante es el mensaje y la experiencia que cada pieza, sea en el formato que sea, ofrezca al usuario.

Cuando hablamos de experiencia del usuario (UX), lo primero que viene a la mente es una página web o una aplicación, el diseño de la misma y que, por supuesto, cumpla con el objetivo para el que fue creada. Pero, ¿qué hay de la UX de lo que no es digital? Según el Dr. Rafael Tristán, profesor del Tecnológico de Monterrey, hay que ir más allá de la UX y enfocarse en al experiencia del cliente (CX).

En el marco de Talent Land 2018, Tristán explicó que la experiencia del cliente no es un concepto nuevo y que en ella se encuentra la muy afamada UX. Esto significa que la experiencia del usuario se refiere al producto o servicio en específico y la experiencia del cliente abarca todo el contexto que rodea a dicho producto. Hoy en día la UX se ha popularizado debido a que los consumidores han evolucionado y ahora cuentan con un mayor acceso a la tecnología.

Parte importante de la UX es el diseño de la misma, sin embargo, “ten cuidado con lo que diseñas”, ya que podría terminar utilizándose para propósitos completamente diferentes de los pensados... o provocando retos en internet que implican ingerir jabón. ¿Qué se pudo haber hecho para evitar estos usos “alternativos”?

Está bien ser el mayor experto y el más apasionado de tu producto o servicio, pero hay que diseñarlo pensando SIEMPRE en el consumidor, en sus intereses, sus necesidades, usos y costumbres. Para ello, es importante tomar en cuenta algunos principios de Design Thinking, por ejemplo:

• Pensar en las personas. No pienses en ellas sólo como consumidores; pon atención a lo que necesitan o a lo que no saben que necesitan.
• Observar. Analizar datos no es suficiente, hay que salir a ver lo que las personas hacen directamente.
• Anticipar lo que podría cambiar. No te quedes sólo en el presente, piensa en lo que puede traer el futuro.

Recuerda que cada uno de los productos o servicios que vendes ofrece una experiencia para tus consumidores y cuando ésta es buena, entonces se puede pensar en el éxito. Y es que no sólo es el producto, sino el contenido, el contexto y las diferentes plataformas que lo rodean lo que brinda experiencias a tus usuarios, por lo que debes poner atención a cada una de ellas para generar preferencia y lealtad.

Sobre Talent Land

De acuerdo a su página oficial, Talent Land es el encuentro de innovación y emprendimiento más grande a nivel nacional. En el evento se reúne la comunidad de talentos del país para fomentar el conocimiento y desarrollo con sede también en Colombia, Ecuador y España.

En Talent Land también se dan cita inversores, reclutadores e instituciones que buscan vincularse con el talento e impulsarlos para que logren el éxito en sus empresas. La agenda incluye conferencias y talleres sobre tecnología, creatividad, marketing, desarrollo web, robótica y emprendimiento con ponentes nacionales e internacionales.

Sin importar qué tan bueno o novedoso sea nuestro producto o servicio, la manera en que el público lo ve es crucial para el éxito. Es aquí donde inicia la labor del diseño gráfico, ya que además de la marca, son los colores y texturas los que le dan identidad propia.

Las tendencias de diseño evolucionan junto con los proyectos en los que se aplican así como con los consumidores y responden a su edad, gustos y preferencias. Es por eso que aquí te dejamos las seis tendencias en diseño que llegan para este 2018:

Duotonos

Los gráficos superpuestos o con efectos de luz en dos colores son la tendencia que más fuerte viene para el próximo año. Los diseñadores juegan con la luz y las sombras y los colores para dar la sensación de distorsión en la imagen y modernidad.

Tipografía recortada

Es una manera muy elegante de darle protagonismo a la tipografía en piezas en las que otros gráficos son mínimas o muy simples.

Colores vibrantes

Aunque los espacios negativos en blanco y negro también están en voga, las marcas se han decantado por la utilización de colores brillantes para destacar de entre las demás.

3D, texturas y gradientes

Se trata del complemento ideal para el color, sin embargo, su uso es más factible para contenido web ya que es más complicado (y más costoso) trasladarlo a empaques y otros materiales.

Ilustraciones

Las ilustraciones hechas a mano están retomando un nuevo auge para darle a la marca y al producto un sentido más profundo de autenticidad. Las ilustraciones se puede combinar con otros elementos gráficos para crear mensajes únicos y mucho más artísticos.

Vintage contemporáneo

Es un recurso muy utilizado en empaques y envases de alimentos y bebidas. Las ilustraciones son básicas para lograr este efecto, ya que con trazos elegantes contribuyen a la parte estética del producto así como a su unicidad.